Park Seo Bo

한국 단색화의 거장, 박서보 작가는 한국 현대미술이 걸어온 60년의 세월을 그의 작업 속에 오롯이 담고 있다. 1931년 경상북도 예천에서 출생한 그는 1955년 홍익대학교 서양화과를 졸업한 후 <대한민국미술전람회>로 대변되는 관전 아카데미즘이 화단의 주류를 점하던 시절, 전쟁을 겪은 인간의 고뇌를 반영한 앵포르멜 운동의 가치를 내세우며 <원형질> 시리즈를 선보여 화단의 이단아로 등장한다. 60년대 중반에는 도시화와 산업화 속에 한국의 오방색과 기하 추상을 결합한 <유전질> 시리즈를 시도하였다. <묘법> 시리즈는 반복적인 행위를 통해 자기를 비워내는 동양의 무위자연 이념을 작업에 담은 것으로 초기엔 연필로 선을 반복적으로 긋는 행위에 기초하였다면, 한지를 적극적으로 작업에 끌어들인 80년대 이후 작업에서는 종이 스스로 드러날 수 있도록 무한히 반복되는 행위와 물성이 하나로 통합된 세계를 보여준다. 한국 고유의 미술 운동인 ‘단색화’의 거장 박서보 작가는 세계현대미술사조의 관점에서 한국적 미학을 현대적 추상미술로 승화시킨 고유 예술운동의 선구자로 명실공히 인정받고 있다. 1994년에 현대미술사 아카이브 구축을 위해 서보미술문화재단을, 2019년에는 후진 양성을 위해 기지 재단을 설립하였다. 그는 2023년, 향년 92세의 나이로 타계했다. 그의 작품은 국립현대미술관, 리움미술관, 부산시립미술관뿐 아니라 전 세계 유수한 미술관인 MOMA, 구겐하임, 테이트모던, 퐁피두센터 등에 영구 소장되어 있다. Park Seo-Bo, a master of Korean Dansaekhwa (Monochrome Painting), embodies the sixty-year trajectory of Korean contemporary art through his life and work. Born in 1931 in Yecheon, Gyeongsangbuk-do, he graduated from the Department of Western Painting at Hongik University in 1955. At a time when the Korean art scene was dominated by academic realism represented by the National Art Exhibition of Korea, Park emerged as a radical figure by advocating the values of the Art Informel movement, presenting his Primordialis series, which reflected the existential anguish of humanity shaped by the experience of war. In the mid-1960s, amid rapid urbanization and industrialization, he developed the Hereditarius series, combining Korea’s traditional Obangsaek (five cardinal colors) with geometric abstraction. His Écriture series embodies the Eastern philosophy of wu wei—emptiness through non-action—expressed through repetitive gestures. While early works were based on the repeated act of drawing lines with pencil, his practice after the 1980s actively incorporated hanji (traditional Korean paper), revealing a world in which endless repetition and materiality merge, allowing the paper itself to emerge as an active presence. As a towering figure of Dansaekhwa, a uniquely Korean art movement, Park Seo-Bo is widely recognized as a pioneering artist who elevated Korean aesthetics into modern abstract art within the context of global contemporary art history. In 1994, he founded the Seobo Art Foundation to build an archive of modern and contemporary art, and in 2019, he established the Gizi Foundation (now, Park SeoBo Foundation) to support the next generation of artists. He passed away in 2023 at the age of 92. His works are held in the permanent collections of major institutions, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; Leeum Museum of Art; Busan Museum of Art; and internationally renowned museums such as MoMA, the Guggenheim Museum, Tate Modern, and the Centre Pompidou.

David Gerstein

데이비드 걸스타인(1944~)은 이스라엘을 대표하는 세계적인 팝아티스트이다. 컷 아웃 기법을 사용하여 입체감 있는 작품으로 밝고 유쾌한 에너지를 전한다. 그는 철이라는 차가워 보이는 소재 위에 따뜻한 색감을 구현해 현대인들에게 긍정과 위로의 메시지를 건넨다. 현대 사회의 다양한 풍경을 모티브로 도시 곳곳 어디론가 바쁜 발걸음을 내딛는 사람들, 자전거를 타고 이동하는 사람들, 활짝 열린 창문으로 보이는 빌딩 숲 등 일상 속 다양한 장면의 표현을 통해 지친 도시인들에게 삶의 긍정과 위로의 정서를 불러일으킨다. 작가의 작품은 밝고 대담한 색채와 화려한 붓 터치가 만나 역동적인 리듬을 만들어내는 것이 특징이다. 종이에 그린 드로잉을 컴퓨터로 작업해 데이터화한 후 강철을 레이저 커팅하는 방식을 활용하여 형태가 탄생한다. 그리고 그 위에 직접 붓이나 실크스크린 기법 등을 적용한 채색의 과정을 거치는데 이것은 조각의 재질에 생기를 불어넣는 회화적 특성을 형성한다. 누구나 쉽게 이해하고 어디서나 공유할 수 있는 미술을 추구하기에 명랑하고 화려한 그의 작품은 대중의 사랑을 받고 있다. David Gerstein (b. 1944) is a world-renowned pop artist from Israel. Using a cut-out technique, he creates three-dimensional works that radiate bright and joyful energy. By applying warm, vivid colors to what might otherwise seem like the cold material of steel, he conveys messages of positivity and comfort to contemporary viewers. Drawing inspiration from scenes of modern society, Gerstein depicts people hurrying through the city, cyclists in motion, and dense clusters of buildings seen through wide-open windows. Through these everyday urban moments, his works evoke feelings of optimism and consolation for those fatigued by city life. His art is characterized by bold, luminous colors and expressive, dynamic brushstrokes that come together to create a lively rhythm. The creative process begins with drawings on paper, which are then digitized and translated into forms cut from steel using laser technology. This is followed by hand painting or the application of silkscreen techniques, infusing the sculptural material with painterly vitality. Pursuing art that is easily understood and widely shared, Gerstein’s cheerful and colorful works have earned enduring popularity and affection from a broad audience.

Kim Tschang Yeul

김창열은 1972년부터 물방울을 소재로 다루면서 '물방울 작가'로 불리기 시작했다. 대중적인 인기와 함께 국내 및 해외 미술계에서도 미학적 논의와 관심을 불러일으켜 한국 현대미술의 큰 획을 그었다고 평가받는다. 1969년까지 추상화를 그리다가 1965년부터 1971년까지 뉴욕 체류 이후 사실주의화가로 변모했다. 그는 당시 추상표현주의에 대한 반동으로 유행하던 팝아트와 미니멀리즘에서 탐색과 실험의 계기를 찾았다. 팝아트에서는 재현이라는 문제에 초점을 맞추는 것에 영감을 받았고 미니멀리즘에서는 형태와 구조에 대한 자극을 얻었다. 1970년부터 ‘현상’이라 불리는 그림을 그렸는데, 음울한 회색톤 형상이 색면 내부로부터 흘러나와 물방울 그림에서 보게 될 회색톤 기법의 전조가 되었다. 캔버스에 점액 모양의 거대한 방울이 나타난 것도 그때였다. 1972년 파리의 권위 있는 초대전 살롱 드 메(Salon de mai)에 물방울 작가로 데뷔했다. 극사실주의적 필치로 그려내는 그의 물방울 작품은 초기의 응집력이 강한 영롱한 물방울에서 최근의 표면장력이 느슨해 바탕으로 스며들기 직전의 물방울까지 다양하게 이어졌다. 이러한 독보적인 화풍과 주제 의식은 한국 앵포르멜 운동을 이끌며 한국 현대미술사에 커다란 족적을 남겼다. 그의 작품은 독창적인 표현 방식과 깊이 있는 철학적 메시지로 인해 한국뿐만 아니라 국제적인 명성을 얻었다. 2024년 갤러리현대에서 3주기 회고전이 열리는 등 타계 이후 그의 작품에 대한 관심은 오히려 더 뜨거워지고 있다. Kim Tschang-Yeul began working with the motif of water droplets in 1972, after which he came to be known as the “water drop artist.” Along with broad public appeal, his work generated sustained aesthetic discussion and critical attention both in Korea and internationally, and is widely regarded as having marked a major turning point in Korean contemporary art. After working primarily in abstraction until 1969, he underwent a decisive shift toward realism following his stay in New York from 1965 to 1971. During this period, he found impulses for exploration and experimentation in Pop Art and Minimalism, which were then emerging partly as reactions against Abstract Expressionism. From Pop Art, he drew inspiration from its focus on the problem of representation, while Minimalism stimulated his interest in form and structure. From 1970, he produced a series of paintings known as “Phenomena,” in which somber gray-toned forms seemed to flow out from within fields of color—an early precursor to the gray tonal techniques later seen in his water drop paintings. It was also during this period that large, viscous, droplet-like forms first appeared on his canvases. In 1972, he made his debut as a water drop artist at the prestigious Salon de Mai in Paris. Rendered with hyperrealistic brushwork, his water drop paintings range from early works featuring tightly condensed, crystalline droplets to later works in which surface tension appears loosened, as if the droplets are on the verge of dissolving into the background. This singular style and thematic focus left a profound imprint on the history of Korean contemporary art, positioning Kim Tschang-Yeul as a central figure associated with the Korean Art Informel movement. His works achieved international renown for their distinctive visual language and deep philosophical resonance. Interest in his oeuvre has continued to grow even after his passing, exemplified by the third-anniversary retrospective held at Gallery Hyundai in 2024.

Kim Chong Hak

‘설악의 화가’라 불리는 김종학은 1937년 평안북도 신의주에서 태어났다. 많은 작가가 구상 작업에서 추상 작업으로 변화해 가는 것과는 반대로 김종학 작가는 추상 표현주의 회화에 몰두하다 홀연히 설악산의 작업실에 칩거하면서 아름다운 설악 풍경을 그리기 시작했다. ‘작가는 시대의 흐름을 따라가기보다는 벗어나야 한다고 생각한다.’며 1980년에 들어서며 김종학은 추상에 기초한 구상 회화로 전환해 설악에 정착한 채 화단이나 제도권의 흐름과 거리를 두고 작업했으며, 화려한 색채와 역동적인 붓질로 대자연의 기운생동과 질서, 생명력을 담아낸 독자적인 ‘김종학 화풍’을 확립해 다수의 주요 개인전을 통해 주목받았다. 2000년대 이후 김종학은 주요 화랑과 미술관에서 연이은 개인전과 회고전을 통해 작품 세계의 성숙과 변화를 인정받으며, 설악의 자연을 외형적 풍경이 아닌 내면의 초자연적 공간이자 생명의 근원으로 확장해 나갔다. 이 시기 그의 회화는 거친 표현을 정제한 ‘다양의 통일’이라는 미적 경지에 이르러, 강렬한 색채와 자유로운 구성 속에서도 조화와 여유, 한국적 정서를 깊이 있게 담아냈다. 그의 작품 속에는 온갖 세속적 유혹과 시류의 흔들림 속에서도 굳건히 뿌리내리는 예술가의 기백이 고스란히 담겨있다. 그의 작품은 국립현대미술관, 리움미술관, 부산현대미술관, 서울대학교미술관, 이화여자대학교미술관, 뮤지엄산, 구겐하임 등 유수의 미술관에 영구 소장되어 전시 중이다. Kim Chong Hak, known as the “Painter of Seorak,” was born in 1937 in Sinuiju, Pyeonganbuk-do. Contrary to the path taken by many artists who moved from figurative painting toward abstraction, Kim devoted himself to Abstract Expressionist painting before retreating to a studio in Seoraksan, where he began to depict the mountain’s magnificent landscapes. Believing that “an artist should step away from the currents of the times rather than follow them,” he shifted in the 1980s to figurative painting grounded in abstraction. Settling in Seorak and maintaining distance from the art establishment and institutional trends, he forged a distinctive “Kim Chong Hak style,” characterized by brilliant colors and dynamic brushwork that capture the vital energy, order, and life force of great nature. This unique vision drew widespread attention through numerous major solo exhibitions. From the 2000s onward, Kim’s work gained further recognition through successive solo exhibitions and retrospectives at leading galleries and museums, which acknowledged both the maturation and evolution of his artistic world. During this period, he expanded the nature of Seorak beyond an external landscape into an inner, supranatural realm—a source of life itself. His paintings reached an aesthetic state he described as a “unity of diversity,” in which earlier raw expressiveness was refined, achieving harmony and composure amid intense color and free composition, while deeply embodying a Korean sensibility. His works convey the indomitable spirit of an artist who remains firmly rooted despite worldly temptations and the fluctuations of passing trends. Kim Chong Hak’s works are held in the permanent collections of major institutions, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; Leeum Museum of Art; Busan Museum of Contemporary Art; Seoul National University Museum of Art; Ewha Womans University Museum; Museum SAN; and the Guggenheim Museum, among others.

Kim Whan Ki

한국 추상미술의 선구자였던 김환기. 그는 우리 산천과 달, 구름 등 자연의 모습을 서정적이고 세련된 조형 언어로 표현하였다. 김환기는 1913년에 남도의 작은 섬마을에서 태어나 1933년 일본 동경으로 유학하였다. 당시 전위적인 활동의 하나였던 추상미술을 시도하고 한국적 서정 주의를 서구의 모더니즘에 접목하여 독보적인 예술세계를 정립했다. 선명한 우리 민족의 정취를 세계인이 공감하는 정제된 조형 언어와 명상적인 색감에 구현하여 뉴욕과 파리 등 세계 예술의 중심지에서 이름을 알렸다. 1950년대에는 산, 달, 매화, 달항아리 등 우리의 자연과 전통 기물에 담긴 아름다움을 소재로 더욱 밀도 높고 풍요로운 표현으로 한국적 정서를 조형화했다. 상파울루 비엔날레 특별상을 받은 1963년, 뉴욕에서 또 다른 도전을 시작한 김환기는 점, 선, 면의 순수 조형 언어로 보다 내밀한 서정의 세계를 심화시키며 한국적 서정 추상미술을 널리 알리게 되었다. 누구보다 서양미술을 풍부하게 경험했지만, 그 정신에 있어서는 동양의 전통을 계승하고 예술을 통해 자연으로 돌아가고자 했던 이 시대의 문인 화가였다. 1992년에는 그의 예술정신을 기리기 위해 서울 종로구 부암동에 ‘환기미술관’이 세워졌고, 그의 생가인 ‘신안 김환기 고택’은 2007년 국가지정문화재 중요민속자료 251호로 지정되었다. 동양 철학과 민족 정서를 서구 모더니즘에 접목해 독보적인 예술세계를 구현하였고, 일본, 파리, 뉴욕 등 세계적인 미술시장에서 활약했다. ‘나는 누구인가, 어디에서 왔으며 어디를 향해 가고 있는가?’는 작가가 일관되게 성찰한 화두이다. 그의 예술성은 자연에서 우주로, 구상에서 추상의 세계로 뻗어나간다. Kim Whanki was a pioneer of Korean abstract art. He expressed the landscapes of Korea—its mountains and rivers, the moon, and clouds—through a lyrical and refined visual language. Born in 1913 in a small island village in the southern part of Korea, Kim traveled to Tokyo in 1933 to study abroad. There, he experimented with abstract art, then considered part of avant-garde practice, and established a singular artistic world by integrating Korean lyricism with Western modernism. By translating the distinctive sensibility of Korean culture into a distilled formal language and meditative color palette that resonated with audiences worldwide, he gained international recognition in major art centers such as New York and Paris. In the 1950s, Kim further deepened and enriched his expression by drawing on the beauty of Korea’s nature and traditional objects—mountains, the moon, plum blossoms, and the moon jar—shaping Korean sentiment into visual form. In 1963, the year he received a Special Prize at the São Paulo Biennale, Kim began a new phase of challenge in New York. There, he intensified a more intimate lyrical world through the pure formal language of dots, lines, and planes, helping to widely introduce Korean lyrical abstraction to the global art scene. Although he experienced Western art more fully than most of his contemporaries, his artistic spirit remained rooted in Eastern tradition, and he can be seen as a literati painter of his time who sought to return to nature through art. In 1992, the Whanki Museum was established in Buam-dong, Jongno-gu, Seoul, to honor his artistic legacy, and in 2007 his birthplace, the Sinan Kim Whanki House, was designated National Folklore Cultural Heritage No. 251. By fusing Eastern philosophy and national sentiment with Western modernism, Kim Whanki realized an unparalleled artistic vision and was active in major art markets across Japan, Paris, and New York. “Who am I, where have I come from, and where am I headed?” was a central question he contemplated throughout his life. His artistic vision expands from nature to the cosmos, and from figuration to abstraction.

Lee Ufan

이우환은 서울대학교 미술대학을 중퇴하고 일본으로 건너가 니혼대학 문학부 철학과를 졸업했다. 일본의 획기적 미술운동인 모노파의 이론과 실천을 주도하고, 동양의 철학을 바탕으로 하여 서양 미니멀리즘의 한계를 극복하며 국제적으로 현대 미술사의 거장으로 자리 잡았다. '점과 선의 대가'로 불리는 이우환의 초기 작품들은 ‘우주 만물은 점에서 시작해 점에서 끝난다’는 스승의 뜻을 잇는 것으로 점이 선이 되고 나아가서는 아무것도 아닐 수 있다는 동양사상에 바탕을 두었다. 이우환의 작업은 ‘획’이 지닌 의미와 ‘그려지지 않은 여백’을 이해해야 한다. 획에는 무한한 순간 속에 정지한 듯, 고요한 가운데 움직이는 듯 정중동, 생동감, 기가 흐른다. 파리비엔날레, 상파울루비엔날레, 카셀도큐멘타 등 권위 있는 국제전에 참여하여 큰 호응을 얻었다. 1994년 밀라노의 무디마 미술관과 국립현대미술관에서 개인전을 열었고, 1997년 파리의 국립 주드폼므(Jeu de Paume) 갤러리와 서울의 갤러리현대, 박영덕화랑에서 개인전을 열었다. 요코하마미술관에서 열린 ‘전후 현대 일본의 전위미술’(1994), 베네치아비엔날레 특별전(1995), 프랑스 퐁피두센터에서 열린 ‘메이드 인 프랑스’(1996) 등에 참여했다. 레지옹 도뇌르훈장, 금관문화훈장, 호암상 예술상 등을 수상했으며 2010년 일본 나오시마에 이우환 미술관이 개관했다. 뉴욕 현대미술관, 교토 국립근대미술관, 드레스덴 국립미술관, 구겐하임 미술관, 퐁피두 센터, 테이트 모던, 국립현대미술관, 리움:삼성미술관 등 전세계 유수의 미술관에 컬렉션으로 소장되어 있다. Lee Ufan left the College of Fine Arts at Seoul National University and moved to Japan, where he later graduated from the Department of Philosophy in the College of Literature at Nihon University. He went on to lead both the theory and practice of Mono-ha, Japan’s groundbreaking postwar art movement, and established himself internationally as a master of contemporary art by transcending the limitations of Western Minimalism through an aesthetic grounded in Eastern philosophy. Often referred to as the “master of points and lines,” Lee Ufan’s early works inherit his teacher’s belief that “all things in the universe begin with a point and return to a point.” Rooted in Eastern thought, his work explores the idea that a point becomes a line and may ultimately dissolve into nothingness. To understand Lee’s practice, one must grasp the meaning of the brushstroke (hoeg) and the significance of the unpainted void. Within each stroke flows a sense of jeongjungdong—stillness within movement—where vitality and qi circulate, as if motion exists within silence and time is momentarily suspended within the infinite. Lee Ufan has participated in many of the world’s most prestigious international exhibitions, including the Paris Biennale, the São Paulo Biennial, and documenta in Kassel, receiving widespread acclaim. In 1994, he held solo exhibitions at the Mudima Museum in Milan and the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea. In 1997, he presented solo exhibitions at the Jeu de Paume in Paris, Gallery Hyundai in Seoul, and Gallery Park Young-duk. He also took part in major exhibitions such as Postwar Avant-Garde Art in Japan at the Yokohama Museum of Art (1994), a special exhibition at the Venice Biennale (1995), and Made in France at the Centre Pompidou (1996). His honors include the Légion d’Honneur, the Gold Crown Order of Cultural Merit, and the Ho-Am Prize in the Arts. In 2010, the Lee Ufan Museum opened in Naoshima, Japan. His works are held in the collections of leading institutions worldwide, including the Museum of Modern Art, New York; the National Museum of Modern Art, Kyoto; the Dresden State Art Collections; the Guggenheim Museum; the Centre Pompidou; Tate Modern; the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; and Leeum, Samsung Museum of Art.

Eva Armisen

에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 바르셀로나에서 미술 공부를 한 이후 줄곧 그곳에 정착하여 유럽과 미국을 오가며 왕성하게 활동하고 있다. 1994년 개인전을 열었고 스페인 코카콜라 광고 CF를 통해 이름을 알렸다. 이후 서울, 로스앤젤레스, 홍콩, 싱가포르, 리스본, 상해, 멜버른 등 주요 도시에서 활약하며 국제적인 작가로 성장했다. 우리나라에서도 에바 알머슨의 동화책이 출간된 바 있다. 작가는 일상에서 찾을 수 있는 지극히 평범한 순간들을 포착하여 동화 속 한 장면처럼 그린다. 알머슨 그림 속 인물들은 모두 넉넉하고 둥글둥글한 모습이며 온화한 표정에서 긍정의 기운을 전달한다. 작가의 개성 있고 독특한 스타일로 많은 팬들에게 폭넓은 공감과 지지를 받고 있다. 담백한 화면 속 사랑, 믿음, 신뢰, 휴식, 애정 등의 따뜻한 메시지는 보는 이로 하여금 행복한 미소를 짓게 한다. Eva Armisén is a Spanish painter who, after studying art in Barcelona, settled there and has since been actively working across Europe and the United States. She held her first solo exhibition in 1994 and gained public recognition through a Coca-Cola television commercial in Spain. Since then, she has grown into an internationally acclaimed artist, presenting her work in major cities such as Seoul, Los Angeles, Hong Kong, Singapore, Lisbon, Shanghai, and Melbourne. In Korea, several of Eva Armisén’s illustrated storybooks have also been published. Her work captures the most ordinary moments of everyday life, depicting them as if they were scenes from a fairy tale. The figures in her paintings are characterized by generous, rounded forms and gentle expressions that radiate a sense of positivity. With her distinctive and personal style, Armisén has earned wide empathy and strong support from a broad audience. Within her simple, uncluttered compositions, warm messages of love, trust, faith, rest, and affection emerge—inviting viewers to respond with a quiet, happy smile.

Yoon Byung Rock

‘사과 작가’로 알려진 윤병락은 1968년 경북 영천 출신으로, 경북대학교 서양화과와 동 대학원을 졸업했다. 구상회화가 강세였던 대구 미술계에서 생존하기 위해 묘사에 집중해 연구한 그는 재학 중 대한민국미술전람회 특선과 대구미술대전 대상을 수상하며 두각을 나타냈다. 그의 작품은 사과가 마치 굴러떨어질 듯 화면 밖으로 확장되는 효과가 특징이며, 정형화된 사각 캔버스 대신 직접 제작한 변형 화판을 사용해 가상과 현실의 경계를 흐린다. 사과는 작가에게 고향과 추억을 상징하는 소재로, 즐겁고 행복한 감정을 관람객과 나누고자 한다. 윤병락의 사과 회화는 단순한 극사실주의를 넘어, 상업자본주의 사회에서 자연이 상품화되는 현실을 은유한다. 박스에 가득 담긴 사과는 풍요와 소유의 욕망을 환기하고, 환경 이미지나 복제 동물과 결합되며 인간 중심적 욕망이 자연의 다양성을 소멸시키는 문제를 드러낸다. 그러나 작가는 사과를 상징에 고착시키기보다 조형적 소재로 다루며, 작업의 핵심을 ‘형식’에 둔다. 그는 변형 캔버스를 통해 회화를 중성적인 재현의 틀에서 벗어나 적극적인 조형 언어로 확장시켜 왔다. 2000년대 이후에는 틀 자체를 전면화하며 공간 인식의 확장을 시도했고, 최근에는 FRP 사과 입체 작업으로 화면을 넘어 전시 공간을 점유한다. 이러한 작업은 회화를 설치적 장치로 확장하며, 재현과 현실의 경계를 넘나드는 새로운 시각적 경험을 제시한다. Known as the “apple painter,” Yoon Byung-rak was born in 1968 in Yeongcheon, Gyeongsangbuk-do, and earned both his BFA and MFA in Western painting from Kyungpook National University. Working in Daegu’s art scene—where figurative painting held strong influence—he focused intensely on the craft of depiction to establish his artistic identity. During his studies, he gained recognition by receiving a Special Selection at the National Art Exhibition of Korea and the Grand Prize at the Daegu Art Exhibition. His paintings are characterized by apples rendered so vividly that they seem to roll off the canvas, and he often uses custom-shaped panels instead of conventional rectangular canvases to blur the boundary between illusion and reality. For the artist, apples symbolize his hometown and memories, serving as a medium through which he wishes to share feelings of joy and happiness with viewers. Yoon’s apple paintings go beyond simple hyperrealism, functioning as metaphors for the commodification of nature in a capitalist society. Boxes overflowing with apples evoke ideas of abundance and the desire for possession, while their combination with environmental imagery or cloned animals highlights how anthropocentric desires threaten the diversity of nature. Nevertheless, rather than reducing apples to fixed symbols, Yoon treats them as formal elements, placing the core of his practice in the realm of composition and structure. Through his use of shaped canvases, he pushes painting beyond a neutral representational frame and transforms it into an active visual language. Since the 2000s, he has emphasized the frame itself, exploring expanded spatial perception, and more recently, he has extended his work into the exhibition space through three-dimensional FRP apple sculptures. These works expand painting into an installation-like form, offering viewers new visual experiences that traverse the boundaries between representation and reality.